jueves, 30 de junio de 2022
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martes, 21 de junio de 2022
lunes, 20 de junio de 2022
viernes, 17 de junio de 2022
Actuaba en una serie de Netflix, asesinó a su madre e hizo escalofriante confesión contra un líder mundial
En el mes de marzo pasado, Ryan Grantham -actor de la serie Riverdale, disponible en Netflix- se declaró culpable de matar a madre de 64 años de un disparo en la nuca en 2020, mientras ella tocaba el piano en su casa de Squamish, Canadá. Durante la audiencia por el asesinato el lunes, Grantham reveló cuál hubiese sido su segunda víctima.
Por: La Nación
Durante las primeras horas de la sesión, el tribunal escuchó cómo el actor admitía haber ensayado el homicidio. Incluso, afirmó haber grabado videos los momentos posteriores. En aquellas imágenes, que fueron presentadas ante la jueza de British Columbia, habla sobre el disparo a Barbara White y muestra su cadáver.
Como si fuera poco, y tras matar a su madre, el joven de 24 años fue en busca de una segunda víctima. Armado con tres pistolas, municiones, cócteles molotov, artículos para acampar y un mapa con direcciones, condujo hacia el este canadiense con la idea de terminar con la vida del primer ministro Justin Trudeau.
Asimismo, brindó un insólito motivo para justificar el asesinato a sangre fría de su mamá. “No quería que ella viera el acto de violencia que iba a cometer”, dijo respecto de sus intenciones de asesinar al mandatario de 50 años que está en el Gobierno desde 2015.
Según pudo reconstruir CBC, Grantham se fue de Squamish el día después del homicidio de su madre con su cuerpo en el interior del vehículo. Antes de dejar la escena del crimen, probó una de las bombas explosivas que tenía a disposición. El viaje fue largo. Manejó por un tiempo estimado de 50 horas.
Se trasladó hasta el condado de Hope, donde se detuvo para pensar. Fue allí donde tomó la decisión de no continuar con su “misión”. Esa misma noche se entregó a la policía de Vancouver. Las autoridades le notificaron luego que podrían llegar a encontrarlo culpable por asesinato en segundo grado y darle cadena perpetua.
Las pericias psicológicas sobre Ryan Grantham
A mediados de la audiencia de hace días atrás, la fiscal Michaela Donnelly presentó dos informes psiquiátricos sobre el estado mental del joven, que interpretó a Jeffrey Augustine en Riverdale. Ambos reportes coincidieron en que Grantham estaba pasando por un período intenso de depresión clínica.
F: https://www.lapatilla.com/2022/06/17/actuaba-en-una-serie-de-netflix-asesino-a-su-madre-e-hizo-escalofriante-confesion-contra-un-lider-mundial/
Amber Heard confesó que sigue enamorada de Johnny Depp
Tras el perder el juicio por difamación contra Johnny Depp, Amber Heard ofreció una entrevista para el matinal ‘Today’ de NBC donde se expresa abiertamente sobre el veredicto.
Con información de El Farandi
La entrevista se ha ido publicando por partes y este miércoles es la tercera y ultima, es por ello que, a través de la cuenta en Instagram del programa se compartió un breve fragmento de la conversación.
En este pequeño adelanto de la entrevista, la actriz de ‘Aquaman’ reveló que aún siente amor por el actor de ‘Piratas del Caribe’.
«En el primer día del juicio dijiste en redes sociales que todavía sentías amor por Johnny. ¿Eso sigue siendo verdad?«, le preguntó Savannah Guthrie, periodista que se ha encargado de conducir la entrevista.
«Sí», respondió inmediatamente Heard, por ello la entrevistadora le vuelve a preguntar si a pesar de todo lo que ha vivido todavía sigue amándolo.
«Sí, absolutamente. Lo amo. Lo amo con todo mi corazón», asegura de manera tranquila la actriz de 36 años.«Traté lo mejor que pude de mantener una relación que estaba profundamente rota, pero no pude», añadió recordando su matrimonio que finalizó en el 2016.
En esta misma línea, Amber comentó que no guarda malos sentimientos hacia Johnny. «No tengo malos sentimientos contra él ni le deseo el mal, para nada. Sé que debería ser difícil de entender, pero es sencillo para mí. Si amas a alguien es fácil, debería ser fácil», dijo en los pocos segundos que dura el vídeo.
Cuando el juicio por difamación empezó en el mes de abril, Amber Heard escribió en sus redes que estaría fuera durante un tiempo y explicó sus motivos.
La actriz recordó lo que había escrito en la publicación del Washington Post donde se describía como una figura que había sufrido violencia intrafamiliar durante el periodo de divorcio con Johnny Depp.
«Nunca lo nombré, sino que escribí sobre el precio que pagan las mujeres por denunciar a los hombres en el poder», dijo en aquel entonces.
«Siempre he mantenido un amor por Johnny y me produce un gran dolor tener que vivir los detalles de nuestra vida pasada juntos ante el mundo», afirmó.
Tras un largo proceso de juicio, el primero de junio se dio a conocer el veredicto donde el jurado de Virginia ordenó a Amber a pagar la suma de 10 millones de dolares al actor y ex pareja porque el escrito era falso y difamatorio.
Sin embargo, también expresaron que Depp difamó a la actriz y por ello debe pagarle 2 millones de dolares.
F: https://www.lapatilla.com/2022/06/17/amber-heard-confeso-que-sigue-enamorada-de-johnny-depp/
La revolución beatle, las aventuras como solista y la madurez de un genio: 10 discos fundamentales de Paul McCartney
¿Cómo abordar la vida de Paul McCartney sin caer en los números justo cuando se prepara para soplar 80 velitas? La tentación se justifica en la inmensidad de su obra, clave para entender el mundo de posguerra, en la voracidad compositiva a prueba de bronces, en la necesidad de tener la antena presente aun en los momentos más oscuros y en las situaciones más desfavorables. Y en su inobjetable vigencia: nadie firmó tantos número uno y pocos se dan el lujo de seguir girando como si fuera la primera vez.
Y en el juego de las preguntas sin respuestas: ¿Quién no se puso a pensar qué hubiera pasado si Paul no hubiera ido a ver a los Quarrymen, en el patio de la iglesia de San Pedro de Woolton y no hubiera charlado tras bambalinas con su hipnótico líder, John Lennon. Las grandes historias están repletas de estas pequeñas anécdotas que parecen atadas por un hilo tan frágil que no dan ganas de tirar demasiado por miedo a que se rompa.
Algo inverso ocurre con las canciones. Requieren una y otra escucha para conocerlas en profundidad. Y algunas de ellas, como las que siguen a continuación, tienen tantos códigos y marcas que hacen que cada vez puede ser diferente a la anterior pero parecida a la primera. Diez canciones y diez discos, un acercamiento incompleto y posible al genio de Paul McCartney.
The Beatles: Please, Please Me (1963)
En 2019, durante una entrevista con Howard Stern, Paul se vio inducido, una vez más, a bucear en su frondoso catálogo para elegir su canción preferida entre su repertorio. Y la respuesta del músico pudo haber sorprendido. No se trató de la más vendida, ni la más emotiva, ni la más coreada en sus conciertos. Tampoco la que había elegido anteriormente. Pero sí tiene un caracter iniciático, esa pátina adolescente que siempre cautiva. Y tiene el sello de haberla escrito a cuatro manos con John Lennon.
“I saw her standing there”, el tema en cuestión, abre la discografía oficial de Los Beatles en long play y sienta las bases de la primera etapa del grupo. Se trata de una correría de adolescente, iniciada por Paul, corregida y aumentada por John y muestra el desparpajo de un grupo dispuesto a llevarse todo por delante. Su voz y composición sobresalen en la cadenciosa “Love me do”, primer single oficial del grupo, y en la “P.S. I love you”, un tema escrito en los años de Hamburgo e inspirado en la lírica epistolar. El disco trae ocho canciones propias, seis ajenas y un cuidado por los arreglos y las voces que no iban a negociar nunca.
The Beatles: Help! (1965)
Además de englobar la banda sonora de una de las películas de la cosecha beatle, aquella del anillo de Ringo, Help! es el disco que incluye “Yesterday”. La melodía se le apareció a Paul mientras dormía en la casa de su novia de entonces, Jane Asher. Cuando se levantó fue al piano, tomó un grabador, puso rec+play y empezó a cambiar la historia de la música popular. No fue muy sencillo: tuvo que superar los fantasmas del plagio, darle seriedad a una letra que hablaba de los “huevos revueltos” (”Scrambled eggs” era el título provisorio) y los resquemores de George y Ringo para lanzarla como single, más aun después del arreglo de cuerdas de George Martin. Una canción impropia en el estilo de una banda de rock, y su arrollador éxito fue la muestra que podían animarse a hacer cualquier cosa que se propusieran.
El libro de los récords Guinness la erigió como la canción más famosa de la música moderna y terminó por darle solemnidad enciclopédica a un himno adoptado en todas partes del mundo. Como dato negativo, eclipsó a su otro gran aporte al disco que fue “I’ve just seen a face”,un galope con aires country que daba muestras de su inconformismo. Estaba todo bien con el rock and roll, pero Los Beatles estaban para mucho más que eso.
The Beatles: Revolver (1966)
Ubicado por buena parte de sus fans como el disco favorito, Revolver sacude definitivamente la inocencia del traje y los flequillos. Con el grupo metido definitivamente en la contracultura rock, la poesía de Bob Dylan, el Swinging London y las experiencias con las drogas terminan de moldear la obra. Sobre estas bases, Paul destaca “Here, there and everyone”, la que durante mucho tiempo eligió como su preferida, y cuya ambigüedad entre la sencillez y la complejidad funciona como puente entre el pasado y el futuro.
El otro aporte clave de Paul es “Eleanor Rigby”, una fábula urbana y melancólica sobre la que hay unanimidad en que es su idea y que nació en el piano de la casa de su novia Jane Asher, pero opiniones encontradas sobre el resto de la composición. Además de reparar en la gente solitaria, justo él que volaba con sus camaradas por la cima del mundo, la letra da lugar a una de esas leyendas que tanto gustan a los fans. En el cementerio de la iglesia de Woolton, aquella del encuentro que cambió todo, pueden leerse los nombres de Eleanor Rigby y Father McKenzie en diversas lápidas. El propio Paul aseguró que los personajes son producto de su imaginación, y que la protagonista no es otra que la actriz Eleanor Bron, que había actuado en Help!, aunque con el tiempo concedió un posible registro inconsciente de esa tumba fechada en 1939 que es parada obligada del turismo beatle en la ciudad portuaria.
En modo menos solemne y amparada por los vientos souleros, con “Got to get you into my life” Paul refleja su gusto por la marihuana que se iba a mantener en el tiempo y le iba a traer algún que otro problema. Con la guerra fría entre los líderes a punto de desatarse, el disco se editó en agosto y salieron de gira. A partir de entonces, muchas cosas cambiarían.
The Beatles: Sgt Peppers Lonely Hearts Club Band (1967)
“El mañana nunca sabe”, es una frase atribuida a Ringo Starr que sirve para cerrar Revolver y anticipar lo que iba a venir. La gira había hecho ruido en la interna del grupo, que ya no disfrutaba como antes de la vida de escenarios y el fervor de la beatlemanía. Su música se había vuelto más compleja para interpretar en vivo y los gritos de los fans tapaban cualquier atisbo sonoro. Unas vacaciones fueron fundamentales para recargar pilas. Y mientras volvía de un safari por África, en la cabeza de Paul empezó a maquinar la idea de dar forma a la Banda del Club de los Corazones Solitarios del Sargento Pimienta.
Quien siempre se atribuyó el hecho de crear el alter ego fue Neil Aspinall, el histórico roadie que propuso que los cuatro adquirieran nuevas personalidades enfundados en un look victoriano. Siempre atentos a lo que pudiera pasar a su alrededor, si Dylan había inspirado a profundizar sus letras, las escuchas de Pet sounds de The Beach Boys y de Freak out de Frank Zappa & The Mothers of Invention los empujaron hacia la idea de un álbum conceptual, que diera descanso a Paul, John, George y Ringo que ya habían trabajado demasiado. Y que de ser posible, los enterrara para siempre.
En rigor de los hechos, no hay un concepto tal que una a las canciones del disco. Sí quizás una atmósfera liverpooleana circense y algo decadente, que remontaba con una niñez latida sobre los escombros de la guerra. Un hilo que se remontaba a los dos singles que habían anticipado el álbum y marcan el clímax de su obra: su “Penny Lane” y el “Strawberry fields forever”, de John. Con su habitual estilo juguetón, Paul firmó “When i´ve sixty four”, una sátira de su vida como abuelo que los hechos se encargaron de refutar. Y como cronista más ácido, reflejó en “She’s leaving home” la búsqueda liberadora de las chicas de la época.
The Beatles: Abbey Road (1969)
Construido sobre las cenizas de lo que luego sería Let it be, entre tironeos, renuncias y discusiones, Abbey Road es la última muestra de la genialidad de Los Beatles: una obra cohesiva y coherente de cuatro tipos que apenas se podían mirar a la cara. Y otra vez, el cerebro inquieto de Paul viendo de qué manera se podía innovar para que esa última oportunidad que se dieron como grupo terminara de la manera más digna posible.
A esa altura, la dupla compositiva Lennon/McCartney era una formalidad en la que nadie creía y que solo serviría para la histórica pelea de Paul contra John, y sobre todo contra Yoko. Cada uno llevó sus propias canciones y quizás como un acto de justicia poética, los focos cayeron sobre George y sus joyas “Something” y “Here comes the sun”, mientras que McCartney quiso explorar al máximo su potencial de crooner soulero en la balada “Oh darling”. Pero su gran aporte estuvo otra vez en el concepto, el famoso medley del lado B que se escucha como una suite, un rompecabezas de ocho piezas que compuso un grupo hecho añicos.
Son ocho canciones enlazadas en las que el bajista se reserva el cierre con “Golden Slumbers”, “Carry that weight” y “The End”. Sus últimas palabras fueron cuidadosamente elegidas: “Y al final, el amor que te llevas es equivalente al amor que das”, el epitafio perfecto para un sueño que terminaba mientras otro estaba por empezar.
Paul McCartney: McCartney (1970)
El 17 de abril de 1970 el mundo se sorprendió con la aparición de McCartney I, como su nombre lo indica, primer trabajo como solista de Paul McCartney. Es el resultado de un refugio en su granja en Escocia, ubicada en la península de Kintyre, para huir de un ambiente beatle irrespirable, con renuncias, regresos, agresiones, insultos y un sinfín de anécdotas que guardan las cuatro paredes de Abbey Road. También es una huida hacia adelante del acoso de las fanáticas que alteraban la calma conyugal que buscaba en su esposa Linda y la hija de ella, Heather, que había adoptado como propia.
Pero en lugar de encontrar luz y calma halló la oscuridad. Sin levantarse de la cama, bebiendo wiskhy, fumando tabaco y marihuana, con su cabeza yendo a los litigios comerciales y afectivos con sus inminentes ex compañeros. Se apoyó en Linda como si no tuviera otra opción, como escalón para volver a componer melodías como él sabe. Grabó todos los instrumentos y solo requirió de los coros de su esposa, quizás probando el terreno para el futuro. Escarbó en los cajones y rescató “Junk”, hecha un bollo desde las sesiones del Album Blanco y le regaló a su mujer la balada “Maybe I’amazed”, una declaración de amor para todos los tiempos.
Paul McCartney & Wings: Band on the run (1973)
La consagración definitiva del grupo post Beatles llegó en su tercer trabajo con Wings. Apuntalado por el éxito de “Live and let die”, banda de sonido de la película homónima de James Bond, estaba dispuesto a innovar una vez más en su carrera. Esta vez, iba a darle una atmósfera diferente al registro del álbum. Le solicitó a la EMI un catálogo con las oficinas de la compañía alrededor del mundo. Y puso el dedo sobre Kenia.
Antes de viajar, desertaron el guitarrista Henry McCullough y el baterista Denny Seiwell, una jugada que Paul contrarrestó reclutando a Geoff Emerick, el ingeniero con el que no trabajaba desde Abbey Road. Y una vez en suelo africano, tuvo unas cuantas desventuras. En medio de las sesiones, sufrió un asalto a punta de cuchillo y le robaron demos y anotaciones vinculadas al álbum. También tuvo un incidente con el músico local Feli Kuti, quien lo acusó de explotar la música de su tierra.
Band on the run (en castellano, ”Banda en fuga”) es de alguna manera la respuesta a este escenario y a un pasado cada vez más lejano, una película protagonizada por un tipo que está de vuelta de y solo quiere divertirse con sus nuevos secuaces. También puede verse como hacer las paces con los escenarios. “Jet”, “Let me roll it” y la que da título al disco forjaron el sonido de rock de estadios y son número puesto en sus conciertos hasta hoy.
Paul McCartney: Tug of war (1982)
A comienzos de 1982, y luego de una frustrada gira por Japón que terminó en la cárcel y con un grupo resentido en su estructura, Paul anunciaba la disolución de Wings y lanzaba un nuevo trabajo. Inicialmente pensado para editarlo con su banda, Tug of war es el cuarto bajo su nombre y apellido y el primero luego del asesinato de John Lennon en la puerta del Dakota. En ese sentimiento de orfandad, convocó a un viejo conocido como George Martin para darle vuelo a sus canciones.
En modo urgente, compuso “Here today”, un homenaje al amigo eterno en una conversación imaginaria y desgarradora sobre lágrimas, risas y canciones, acaso esa que se debieron. También le pegó un llamadito a Ringo Starr para “Take it away”, y dar otra muestra de ese pop perfecto que le sale de taquito. Pero Paul siempre se caracterizó en mirar para adelante y esta no iba a ser la excepción.
El gran desafío era poner el pie en la nueva década y Paul desembarcó en los ‘80 sabiendo perfectamente lo que tenía que hacer: un dueto con Stevie Wonder. La jugada le salió perfecta. “Ebony & Ivory” -”Ébano y Marfil”-, fue una oda al piano y también un mensaje integrador para terminar con las diferencias raciales y dejó la vara muy alta para lo que vendría después, y aunque estaba acostumbrado a medirse con su propia leyenda, le iba a costar unos años recuperarse.
Paul McCartney: Run Devil Run (1999)
El 17 de abril de 1998, su amada Linda murió luego de dos años de batallar contra un cáncer de mama que se le extendió hacia el hígado. A poco de cumplirse un año, Paul celebró un concierto en su homenaje junto a Eric Clapton, Phil Collins y otros artistas invitados. Mientras tanto, estaba registrando un nuevo trabajo solista que editaría en octubre de ese año.
Así como había ocurrido en Tug of war, para el duelo post Linda también apeló a un golpe de timón y se propuso volver a las fuentes. En este caso optó por tocar las canciones de rock and roll que lo habían enamorado 40 años antes, y también volver a componerlas, como aquel adolescente inquieto de Liverpool que soñaba ser Little Richard y se aventuró a ver un grupo de skiffle en el patio trasero de una iglesia.
Cuando levantó el teléfono, sonaron los celulares de David Gilmour (Pink Floyd), Ian Paice (Deep Purple) y del sesionista Mick Green para echar mano a canciones de Elvis Presley, Chuck Berry, Carl Perkins y Gene Vincent. Para redondear la idea, el disco se grabó en los estudios Abbey Road y se presentó en pub en el que forjaron su leyenda: “Volveré solo por una noche como un guiño a la música que siempre me ha emocionado. No puedo pensar en una mejor manera de rockear el fin de siglo que con una fiesta de rock ‘n’ roll en The Cavern”, escribió antes de la presentación del 14 de diciembre, con el que se cerraba un capítulo importante de su historia.
Paul McCartney: McCartney III (2020)
Mientras el mundo se detuvo, Paul siguió andando y durante la pandemia dio vida a su decimo octavo disco de estudio. Mientras arreglaba el jardín y cortaba la hierba, pergeñó un trabajo a la altura de su leyenda. En modo hombre orquesta y a 50 años de su primer trabajo en solitario, Sir Paul construyó puentes con su pasado y completó una trilogía con su apellido en lo más alto.
Como un artesano de canciones, Paul coqueteó con el rock industrial, exhibió su facilidad para la construcción de las melodías perfectas y dio prueba de su eterna insatisfacción compositiva. Y para entender esta aparente contradicción que resume su filosofía artística, publicó al año siguiente McCartney III Imagined, un trabajo de colaboraciones que lo ubica en un lugar diferente. Artistas diversos como Jeff Beck, Radiohead, Massive Attack, Queens Of The Stone Age o Beck visten las canciones de Paul y las hacen propias respetando un ADN. Y ratificando su sitial de músico clásico, ese que trasciende su propia obra y sabe captar como nadie el mundo que lo rodea.
F: https://www.lapatilla.com/2022/06/17/la-revolucion-beatle-las-aventuras-como-solista/
Shakira abre su corazón tras el fin de su matrimonio con Piqué
Shakira es sin duda un ícono de la música, a pesar de ser colombiana, ha logrado que sus canciones y su estilo se escuche en muchos rincones del mundo. Aunque muchos fanáticos sepan de su carrera y de sus inicios, hay detalles que pocos conocen.
Con información de El Farandi
Aunque ahora está en los titulares de todos los medios debido a su sorpresiva separación de Gerard Piqué, hay más datos de ella que debes conocer.
Shakira destapa su corazón
Por el momento, la barranquillera no ha hablado con ningún medio sobre su situación amorosa actual. De hecho, la confirmación de su separación la hizo a través de su equipo de comunicaciones.
“Lamentamos confirmar que nos estamos separando. Por el bienestar de nuestros niños, que son nuestra máxima prioridad, pedimos respeto a la privacidad. Gracias por su comprensión”, señaló el comunicado.
No obstante, en entrevista con la revista Brut España, la colombiana decidió hablar de su vida y de todo el crecimiento que tuvo en su carrera desde que era muy pequeña.
Shaki señaló que cuando ella decidió empezar en la música fue un desafío muy grande, pues no solo era muy joven sino, además, en la industria era muy difícil que fuera tomada en serio.
“Creo que ha sido un camino que a cualquiera le hubiera parecido imposible de recorrer”, empezó diciendo. “Una niña de Barranquilla, Colombia, que empieza en un mercado en el que no existía realmente apoyo al talento nacional como lo hay hoy por ejemplo al talento local colombiano no se le abrían las puertas cómo se hace hoy en día”.
Shakira aseguró que en ese momento cuando empezó prácticamente le tocó luchar “por ser niña, por ser mujer, por ser artista pop” pues en la industria musical estaba primando géneros tropicales como el merengue la salsa entre otros “ritmos autóctonos locales, entonces sí fue una batalla dura de librar, pero por eso creo que me llena de mucha satisfacción todo ese camino recorrido”.
La barranquillera señaló que en el colegio “me decían que sonaba como una cabra mis amigas de ese entonces, creo que era una forma pasiva de hacer bullying pero pasé por encima de todo eso, seguimos nuestra amistad, siempre seguí siendo amiga de mis amigas y entendí que no tenía que cambiar nada de mí para complacerlas”.
Contó, que en todo ese proceso su papá y su mamá le ayudaron mucho para entender y valorar su voz y todo su talento “al final conserve mi vibrato y eso se convirtió de alguna forma en mi firma”.
Agregó que cuando era adolescente estaba llena de inseguridades y sus padres eran su roca “ellos me reafirmaban, me validaban y gracias a ellos puede salir adelante”.
Sobre los detalles de ser artista, aseguró que no le gusta mucho escoger sus outfits “odio las pruebas de vestuario, las detesto, si fuese por mí haría todas mis actividades artísticas en uniforme, para mí lo de la ropa es un mal necesario”.
De otro lado explicó que por lo general ella arma sus propias coreografías “pero no porque nadie me pueda superar, obviamente hay muchísimos bailarines y coreógrafos mucho mejores que yo, simplemente me gusta crearlas porque me siento auténtica, siento la música más en mi cuerpo, más integrada.
Los movimientos cuando se dan propios son mucho más fáciles para mí también de aprender, me cuesta un poquito aprender coreografías de otros, pero sí que lo he hecho, hay muchas ocasiones en las que he trabajado con coreógrafos, pero por lo general siempre terminamos colaborando y yo siempre termino ahí involucrada en todos los detalles”.
Más revelaciones de sus gustos y su carrera
Sobre su primer álbum publicados los 14 años señaló que no lo considera como un fracaso “fue mi primer álbum, me permitió empezar una carrera. Yo creo que no fue un fracaso sino al contrario, fue un éxito. Obviamente no se puede comparar con álbumes posteriores cuando ya había madurado como artista, pero para ser una niña, había grabado este álbum con canciones que había escrito entre los ocho y los 13 años y haber tenido la oportunidad de salir con una disquera como un artista profesional a temprana edad, creo que sería más bien un éxito”.
En la entrevista también fue cuestionada sobre sus gustos gastronómicos y aseguró que la comida colombiana es tu favorita “la comida colombiana es mi favorita porque sobre todo si no estoy tanto tiempo en mi país, cuando estoy fuera y alguien me ofrece un plato colombiano es un pedazo de cielo es como comerse un pedazo de cielo”.
F: https://www.lapatilla.com/2022/06/17/shakira-abre-su-corazon-tras-el-fin-de-su-matrimonio-con-pique/
viernes, 10 de junio de 2022
Olga Tañón se reencuentra con el público venezolano el 1° de octubre
"La mujer de fuego" regresa a Caracas para interpretar sus grandes éxitos y sus nuevas producciones: Basta ya, Cómo olvidar, Mi eterno amor secreto, Es Mentiroso, Flaca o gordita, Vuela muy alto, Ojalá remix- ft Nacho-, Brujería con Chili, Tú me quemas, entre otros
La conocida «Mujer de fuego», Olga Tañón, regresa a los escenarios venezolanos el próximo 1 de octubre. La cantante, que siempre ha manifestado ser «una puertorriqueña, orgullosamente venezolana», se reencuentra con su público en el Poliedro de Caracas.
La artista regresa al país luego de varios años de ausencia con el concierto «Olga Tañón en Venezuela 360°», una producción de RM53 Entertainment Group y Prodec, que promete brindar una experiencia innovadora a todos los asistentes.
La boricua hará un repaso por los éxitos de su carrera y también por sus últimos estrenos, con el ritmo tropical y el carisma que la caracteriza.
El anuncio lo realizó a través de sus redes sociales con un mensaje en el que se lee: “Un país que la abrazó, un pueblo que baila, canta y disfruta. El encuentro más trascendental de su carrera artística y más impactante para su público”.
Las entradas para su presentación ya están a la venta a través de la plataforma de Ticket Mundo y en la taquilla ubicada en el nivel C2 del Centro Ciudad Comercial Tamanaco (CCCT).
miércoles, 8 de junio de 2022
Joaquín Sabina pierde recurso contra Hacienda y tendrá que pagar una millonada por derechos de autor
La Audiencia Nacional ha desestimado un recurso de Joaquín Sabina contra una liquidación de 2,5 millones de euros a pagar en impuestos por el IRPF de los años 2008, 2009 y 2010 en concepto de derechos de autor, cedidos a empresas familiares, así lo reseñó 20 MINUTOS.
La AN confirma que el artista tendrá que pagar 2,5 millones a Hacienda por derechos de autor.
Son los magistrados de la Sala de lo Contencioso de la Audiencia Nacional los que han dado la razón a la Agencia Tributaria frente al recurso judicial del cantante, que ya había reclamado sin éxito por vía administrativa ante el Tribunal Económico-Administrativo Central (TEAC).
La Abogacía del Estado también quería la desestimación del recurso.
viernes, 3 de junio de 2022
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